导读：“以音乐会友”的《闪光的乐队》不仅是浙江卫视创新音乐生态的一次开创性尝试，更启发着音乐创作，重塑着大众对“乐队”本身的认知。
文 | 三木
面对聚集在音乐社区的二十余位音乐人，张亚东说：“你们在一起组团实在太炸了。”
近日，音乐文化节目《闪光的乐队》在浙江卫视正式开播，节目首期播出后便引起社交平台网友们的热议。摇滚前辈张楚再唱《孤独的人是可耻的》，“还是原来的味道”惹得观众们落下时代热泪；梁龙将《仙儿》的开头进行融合改编，标志性的唢呐声一响全场沸腾……
这些年音乐节目盛行，如何让音乐表达的态度与温度真实可触，成为音乐节目最新的时代命题，《闪光的乐队》给出了它开创性的回答：这是一次不同于以往的全新音乐探索之旅，也是一次充满想象力的音乐碰撞，通过不同风格、不同年代、擅长不同乐器的音乐人的合作与交流，展现音乐的魅力，着力向大众诠释“乐队”的全新表达与想象空间。
找寻、重启、蜕变，
音乐人“闪光”的舞台
音乐社区里，音乐人的陆续登场引发阵阵欢呼。
从张楚到梁龙、杨坤，从杨丞琳到张碧晨、王靖雯，再从苏见信到李玉刚、符龙飞等，很难想象这些横跨不同音乐时代，并且在音乐类型风格上也迥然各异的人能坐在一起，去组乐队。但正因如此，节目第一期的个人秀成为音乐人们了解彼此的音乐风格、舞台表现能量和乐器使用程度的“汇报公演”，音乐人也得以对心仪的合作对象、合作舞台作出慎重选择和考量。
跨越年龄、音乐风格和出身背景的差异，《闪光的乐队》试图打造的一个音乐多元化的交流生态也铺陈开来。从摇滚老炮到后起之秀，从流行到说唱，从国风到传统乐器，首期节目中，既有张楚唱《孤独的人是可耻的》和周晓鸥唱《爱不爱我》，又有苏见信的《海阔天空》和吴莫愁与Amber合作的《Dance Monkey》，还有阿朵的《那里是哪里》和李玉刚的《万疆》，他们自成一派、独具风格，但在专业的打磨和舞台表现上又做到了极致。
作为一档全新原创音乐文化节目，《闪光的乐队》大胆尝试音乐类节目的全新赛制与形式，邀请多位实力音乐人，齐聚音乐社区，挑战改编华语乐坛经典歌曲，用音乐发声，用实力说话。对节目而言，这是一场场从作品到音乐形态的较量与融合；对音乐人而言，这又是一次次从音乐创作到舞台展现的开拓式探索与成长。
但这种专业和多元，远不止于音乐人本身。
在赛制上，除了舞台呈现由现场“闪光乐迷”的投票支持，音乐人也需要在每组表演中进行选择，内容上也花了不少笔墨呈现他们对彼此的评价——在提供专业视角的同时，还实现了多元风格和思想碰撞。比如梁龙认可萧敬腾的吉他弹奏水平，直言“那可不是一个爱好者，那是一个玩家”，唐汉霄评价信的表演是“音乐的力量，一拳打在我的泪点上”。
少了些虚与委蛇的商业互捧，更多的是合作喜好的直抒胸臆。让音乐人通过相互了解、互相选择的方式，寻找心仪的合作搭档，组建成不同的乐队是《闪光的乐队》的底层逻辑。这期间，寻找“双向奔赴”音乐知己的这条线索，贯穿《闪光的乐队》整季节目的始终。本期节目中，“爆suai乐队”的《漠河舞厅》出人意料地融合三种截然不同风格，从王靖雯主唱到马伯骞的念白以及唐汉霄钢琴演奏，被张亚东评为“非常完美的一个乐队”，而这离不开三位音乐人的互相欣赏。
跨界合作、挑战自我、追求完美，在节目创新方面，《闪光的乐队》也一定程度上实现了他在音乐文化节目赛道多方位的“再进化”，优质音乐艺人的进化和蜕变，当代中国音乐创作者的合作与创新，正在节目里被浓墨重彩地书写，让音乐人散发不同以往的光芒。
流行、摇滚、国风，
多元碰撞的极致表达
“音乐就是分享，组一个乐队就是彼此分享。”在“闪光音乐人”正式集结之前，张震岳这样说道。在他看来，参加节目最重要的是能够和伙伴一起做出简单但好听的歌曲，这首歌不一定要马上红，但是能让大家听到之后说“好好听，对，他们写的”。
不久前，一份备受争议的年度十大热歌榜单再次让人们的目光聚焦在“华语乐坛”的讨论上。
当KTV的热门曲停留在10年前，当你很难说不出新人歌手的名字……我们不得不承认，即便如此，人们依然希望能够不断有好的作品涌现，也依然有音乐人希望创作出值得反复咀嚼的品质音乐。
《闪光的乐队》则搭建这样一个音乐人的社交平台，让他们通过合作碰撞出不一样的音乐火花，创作出令人耳目一新的老歌经典改编，感受音乐的魅力。节目中，观众可以看到萧敬腾和王琳凯的“摇滚兔”改编《美好的事可不可以发生在我身上》，由内而外散发出音乐人对音乐创作的热情和摇滚精神；也能看到张震岳与周洁琼的“ZZTOPONE”将《烦恼歌》改编为雷鬼风格，并以琵琶演奏作为衔接，传递出开心治愈的情绪……实力强劲的乐坛前辈与才华横溢的后起之秀携起手来，用合作、共创展现音乐的魅力。
从流行到国风，从说唱到传统乐器，音乐是整个舞台的核心支撑。这些不同风格、不同年代、擅长不同乐器的音乐人齐聚《闪光的乐队》音乐社区，不拘风格也不限形式，通过不断进行的跨界合作与尝试，自由随性地交流音乐想法。而彼此之间的差异，反而促使音乐人在舞台上擦碰出不一样的灵感火花，使《闪光的乐队》呈现多维多元的活跃态势。
与此同时，节目中展现音乐的多元性、包容性与创造性，不仅让舞台焕发出更多可能，更展现出品质音乐生机与活力。本期节目中，李玉刚与符龙飞的“龙马精神呼呼呼”改编《爱的初体验》，将国风昆曲《游园惊梦》与现代摇滚相结合，既是音乐表达的碰撞，更是现实与梦幻的交织，让原唱张震岳听完之后眼眶酸涩也不忘“吐槽”，“是怎样，那么强”。
重在音乐人以及音乐内容的碰撞，而不拘泥于乐队的组合形式，表面上看，闪光音乐人的合作是风格的碰撞、乐曲的创新，但实际上也是音乐精神的传递与传承。
当梁龙和吴莫愁的“红配绿”为《月亮之上》加入更多的说唱元素，摇滚范十足的舞台突显打破偏见、勇敢反击的态度；当张楚与胡宇桐、李润祺横跨三十多岁组成的“690”，将一首《火车驶向云外，梦安魂于九霄》唱毕，屏幕上的“年轻”与张楚年轻时候的画面相重合，无需多言，这个乐队本身就是对音乐传承的有力展现，而这一次的舞台合作对于90后的胡宇桐而言，早已超越了表演本身，“ 690乐队够我吹一辈子了”。
曲风的融合、元素的创新、大胆的改编，《闪光的乐队》实现了音乐创作的新鲜诠释，而每一次碰撞与创新，都将使得观众在观看过程中找到更深层次的情感共振，拓展《闪光的乐队》节目组关照观众内心世界的价值光谱。这不仅体现出“音乐人”音乐创作的出发点，也成为反哺他们今后音乐创作的落脚点。
塑造“乐队”的全新想象，
充斥梦想与热爱的节目更“硬核”
“闪光力量”的多维升级，正把节目带向新高度。
通常而言，音乐节目在歌曲选择、舞美制作上多做文章，但《闪光的乐队》此番多方兼顾，则在内容质感、概念设计、价值观宣扬等多方面也都采取了相应的调整和升级措施，从而在节目整体观感上带给观众耳目一新。
一方面，主打情怀却不卖弄情怀。《爱不爱我》《王妃》《牧马人》《明明很爱你》等前奏一出，让观众尽情徜徉在旧时光的音乐里，既能享受老歌的温暖，也能醉心投入在风格化的创意改编中，品味音乐的魅力。
另一方面，整季节目被打造成一场音乐人寻觅知己之旅。在中国传统观念中，音乐因知音知己的存在，愈发焕发出瑰逸的光彩。而知音文化也是这档音乐文化节目的灵感之源，与其把《闪光的乐队》看作为传统的音乐竞技节目，不如当成多位“闪光音乐人”的音乐态度对话之旅。正如张亚东在节目中所说，“音乐人需要碰撞、需要知己、需要合拍。乐队形式也可以非常多元，可以一把吉他，一个唱（吉他手加主唱）；两个声乐也可以成为一个非常好的乐队”。
“乐队”的概念升级，成为《闪光的乐队》最为显而易见的弧光。每一位音乐人都以平等的姿态投入创作，抛却了浮躁杂念，将自己最热爱也最擅长的一面展现给观众；音乐搭档们通过完成改编歌曲的华丽舞台，把最震撼人心的作品带给观众，也把美好的音乐回忆留给自己。
音乐不老，热爱长存。一首好歌能够让人跨越时间，和曾经的我们、那时的听众得到共鸣，尽管我们都在慢慢长大，但音乐永远年轻。而通过这些节目也让我们看到，好的音乐人和好的作品，哪怕曾经“孤独”地被时代遗忘过一段时间，但是当人们擦去尘土重新凝视他们时，依然会感到跨越时代的力量。
回归到《闪光的乐队》里，作为浙江卫视在音乐文化类节目的新尝试，节目为大家开启了一场关于“寻找”“分享”“热爱”的音乐旅行：无论是风格多元、惊喜不断的音乐碰撞，还是“闪光音乐人”之间的惺惺相惜和真情流露，都让大家在交流中感受到了热爱的光芒、追梦的力量。
